Los ocho maravillosos filmes nominados al Óscar 2021

La actriz, guionista y directora Emerald Fennell -quien interpetó a Camila Parker-Bowles en las temporadas tres y cuatro de The Crown, y quien está nominada también como Mejor Directora y para Mejor Guion- hace una película sobre una mujer que decide dar una lección a los hombres que abusan de mujeres. Carey Mulligan es Cassie y por las noches va a bares donde aparenta estar ebria para, luego, “hacer justicia” con el hombre que intenta violarla. Fennell hace un filme que impresiona por varios motivos: el principal es cómo el personaje de Mulligan articula una venganza en contra de las personas que permitieron que un abuso sexual, mientras ella estudiaba medicina, se quedara sin sanción.  Pero el otro es cómo, en los últimos 20 minutos, la película da un giro inesperado que hace que cada elemento que se estaba viendo se resignifique. Y así impacta más. Fennell dice todo sin necesidad de mostrarlo todo. Hay maestría ahí. No es la venganza de una mujer, es la activación de cómo todos los recursos audiovisuales sirven para destrozar y dar lecciones.  

Ruben (Riz Ahmed) es un baterista en una banda de hardcore que tiene con su novia Lou (Olivia Cook). Y, de golpe, pierde la audición. Todo cambia para él, para los planes que tenía con ella, para la música que quería hacer. El filme de Darius Marder se centra en el viaje del personaje, en las decisiones que toma, en las que está obligadas a seguir. Ahmed -quien está también nominado como Mejor Actor- sostiene la película sobre sus hombros. Él es impecable en todas las escenas y es capaz de, en un filme que se basa en la falta de sonido, de decir todo con dos o tres frases y con todos los gestos posibles en su rostro.  Esta es la historia de Ruben y de cómo sobrellevar algo que, de entrada, es una discapacidad para él, pero que con el tiempo se va convirtiendo en algo más, de una profundidad poderosa. Esto se refleja en la historia de manera impresionante con el manejo del sonido. Quizás esta sea la película sobre discapacidad auditiva que mejor consigue colocar al espectador en esa forma de percibir el mundo. Y, eso sí, el final es absolutamente hermoso y abrumador.

Frances McDormand es un tesoro mundial y Nomadland es una nueva muestra de cómo ella consigue remover todo en el interior de quien ve a los personajes que interpreta. Y en el caso de Fern, la protagonista de esta historia, no hay manera de no sentir que algo de adentro de quiebra. Porque ella es viuda, se ha quedado sin trabajo, y ha decidido vender todo lo que tenía y comprarse una van para vivir y viajar en ella. La excusa es conseguir trabajo o algún tipo de ingreso. En el proceso, ella irá encontrando cosas sobre su vida y sobre los personajes que irá descubriendo en el camino: los nómadas.  Hay relaciones que se abren y otras que entran en revisión. Zhao -nominada también como Mejor Directora- hace un relato humano que muestra la realidad de varias personas en Estados Unidos y al enfocarse en ese terreno, Nomadland es una joya. La directora, incluso, decide contar con la colaboración de personas reales, nómadas de la vida real, interpretando sus versiones en esta ficción, basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century, de la periodista Jessica Bruder.

Zeller, un reconocido escritor, dramaturgo y director de teatro lleva al cine su propia obra, Le Père, en la que un hombre mayor con demencia está obligado a vivir con su hija, debido a su condición. El padre -interpretado por Anthony Hopkins, que está nominado a Mejor Actor- se junta a Anne, su hija -Olivia Colman, también nominada, pero en la categoría de Mejor Actriz de Reparto- y el resultado es un filme que se sostiene por cómo estas dos bestias de la actuación se interponen, uno frente al otro, en el desarrollo de este drama. No hay manera de no dejarse llevar por este repaso de grandes actuaciones que es este filme.

Esta es la biopic sobre Fred Hampton, uno de los líderes de los Black Panthers de Chicago -Daniel Kaluuya- que es “traicionado” por Bill O’Neil -Kaleigh Standfield-, un agente infiltrado del FBI dentro de la agrupación, que siguiendo las órdenes de las autoridades, les permite asesinarlo en 1969, cuando tenía solo 21 años. No, no es un spoiler. En realidad es historia. Es lo que hay detrás de esta traición lo que hace que Judas and the Black Messiah funcione. La tensión detrás de este ejercicio de poder que, en los años 80 obligó al FBI a pagar una millonaria indemnización a la familia de Hampton. Esa tensión se devela de manera impactante en pantalla, gracias a la forma en que Kaluuya y Stanfield resuelven la cercanía de sus personajes y el impacto del uno al otro. Ambos actores están nominados a Mejor Actor de Reparto.

Esta es una película que nace del amor. Del amor al cine, del amor por el riesgo de contar historias imposibles, del amor de un hijo por su padre. David Fincher toma el guion escrito por su fallecido padre, Jack Fincher, sobre cómo Herman J. Mankiewicz trabajó para Orson Wells, escribiendo el guion de la impresionante Citizen Kane. Y todo lo que pasa en la extensa y justamente larga Mank es un acto de justicia. No solo por lo que revalida del cine -como un ejercicio artístico y de coraje-, sino por el tipo de película que es. Funciona como homenaje a la que es considerado el mejor largometraje de la historia, incluso replicando planos, recursos de montaje y movimiento de cámaras. Pero también como un trabajo de resistencia, de cómo encontrar respuesta ante un sistema poderoso y lo que se debe hacer para conseguir una obra de arte. Mank encabeza la lista de nominaciones, entre las que se incluye Mejor Director -a Fincher-, Mejor Actor -Gary Oldman es espectacular como Mank-, y Mejor Actriz de Reparto para Amanda Seyfried.

En una película escrita y dirigida por Aaron Sorkin van a pasar dos cosas. La primera: no hay nadie que no tenga nada que decir. Todo el mundo habla y mucho en sus obras. Y dos: esto no perjudica para nada el ritmo. Sorkin sabe cómo saltar de locación en locación, de escena en escena, de flashback a tiempo real y todo tiene sentido. Absolutamente todo. Lo que hace invaluable el trabajo de Sorkin es que sabe cómo descomplicar una historia complicada. Y esta sí que lo es. The Trial of the Chicago 7 es la historia del juicio a los Siete de Chicago, un grupo de activistas en contra de la Guerra de Vietnam, acusados de conspiración e incitación a la violencia durante la Convención Demócrata de 1968, obviamente en Chicago. Sorkin -que había escrito el guion más de 12 años atrás, con la idea de que Steven Spielberg la dirigiera, algo que no se concretó- arma una película basada en hechos reales y que se mueve dentro de un juzgado. Y refleja la tensión del momento y cómo, la gente en el poder, asume lo que significa la justicia, en función de sus intereses.

Chung recurre a su historia personal para contar la vida de una familia coreana de Estados Unidos y cómo en el campo californiano busca, a través de la agricultura, salir adelante. Esto a pesar del desgaste que puede provocar una empresa así, en los años 80, en un país que incluso hoy sigue siendo extremadamente racista. Minari es una fábula pequeña. Es un filme sobre la resiliencia y sobre cómo, en el momento menos pensado, las relaciones familiares pueden restablecerse. En medio de todo el caos, es una idea hermosa la que Chung consigue poner en evidencia.  A pesar de la polémica en los Globos de Oro por estar nominada en la categoría de Película en Lenguaje Extranjero -porque casi la totalidad del filme es hablado en coreano-, el filme no puede ser más parte del cine norteamericano independiente.  Steven Yeun -conocido por haber sido Glenn en la serie The Walking Dead- es el protagonista de la película, por la que también ha sido nominado a Mejor Actor. Youn Yuh-jung, reconocida actriz coreana, recibió por su rol en Minari una nominación en la categoría de Mejor Actriz de Reparto.